El simple hecho de ser invitado a participar en el pabellón Serpentine ya dice mucho. Es una manera de poner en la mira a algún arquitecto si es que este no está ya por ahí encima. Es envidiable también el presupuesto que se le echa a un proyecto que no dura más de un año contando el inicio de su construcción. De hecho, el pabellón aquí presentado solamente estuvo abierto para el uso público por alrededor de 4 meses y su construcción no parece ser ninguna tarea fácil. Este proyecto, y todos estos pabellones temporales, pueden ser muy criticables en cuanto a su costo considerando su poco uso. Sinceramente, el arquitecto no parece tomar en cuenta la dificultad de armar y desarmar el proyecto. A fin de cuentas, el resultado se va a generar cueste lo que cueste. En esto, y tal vez a diferencia de otras opiniones, yo veo algo muy positivo. De alguna manera, este tipo de proyectos le dan pauta a los arquitectos a generar un producto experimental y que de alguna manera concretice las ideas y teorías que cada uno de estos arquitectos tiene. Es una oportunidad donde el arquitecto no se tiene que preocupar de muchas cosas más que de lo que el arquitecto quiera decir o dar a entender al usuario. A fin de cuentas, el uso de estos pabellones no es muy rígido. Normalmente se han usando para dar conferencias, juntar grupos de personas, proyectar videos etc. A lo que me refiero es que no necesita cumplir normas muy específicas en cuanto a programa, así haciendo más flexible el proyecto.

En el caso del pabellón de Olafur y Kjetil, el resultado es uno único en su tipo. El proyecto tiene su mayor fuerza (en mi opinión) en su materialidad y su ornamento. La modulación del triplay es la que nos revela la geometría de todo el volumen, y el ornamento no genera barreras visuales permeables encerrando así el espacio de una manera dinámica y cambiante a lo largo de un recorrido. El pabellón emana la temporalidad pero de una manera mas mística. La temporalidad no esta en el hecho de que eventualmente se quitara. La temporalidad está en la relación que tiene el usuario con el edificio y al saber que eventualmente ese recorrido acabara pero no sin antes recorrerlo y percibirlo de infinitas maneras distintas.

A pesar de ser una selección de materiales muy sencilla, el papel que juegan éstos en el pabellón Serpentine, va más allá de lo estético. Los materiales generan un dialogo entre lo que es el espacio exterior e interior y entre lo permeable y lo no permeable.

Existe como base para todo el edifico un triplay obscuro modulado de forma triangular que tapa toda la estructura. La modulación de dicho triplay genera una escala más amigable para el usuario al igual que una tonalidad en el ambiente más obscura e intima.

A lo largo de toda la circulación, lo que separa el espacio interior del exterior, es una secuencia de conjuntos de hilos blancos gruesos girados a 45 grados. Este material, y la manera en la que esta usado, genera un tipo de ilusión óptica dependiendo de donde uno esté situado en el espacio. En unos puntos, el hilo permea la vista de manera significante, y en otros los hilos parecen generar un muro que continua siendo permeable, pero generando un efecto de separación muy interesante. La propuesta de material y su uso en este pabellón aparte de funcionar como ornamento, tiene implicaciones espaciales muy importantes.

La estructura del pabellon Serpentine, a pesar de ser una goemetria una tanto complicada, se resuelve con 4 armaduras de diferenets geometrias, todas uniendose en la doble helicoide.

Es en esta espiral de donde sale la rampa de acceso, y es tambien el punto mas critico en cuanto a la estructura ya que esta espiral se vuelve en una especie de pilar que distribuye y reparte el peso de toda la estructura hasta el piso.

Aparte de estar situado en un lugar bastante jerárquico dentro de los jardines de Kensington, el contexto del serpentine gallery favorece y de alguna manera justifica el porque está donde está al igual que la misma forma de dicha galería.

El Serpentine pavillion está situado frente a lo que fue una casa de té en los jardines de Kensington dentro del Hyde park. Este edificio hoy en día se usa como galería de arte y genera aproximadamente 750,000 visitas al año. No es coincidencia que el pabellón Serpentine se sitúa a su lado.

La galería se encuentra también frente a la calle Serpentine Road que cruza Hyde park de norte a sur lo cual la hace tener bastante movimiento a lo largo del día. Cruzando la calle, se encuentra un amplio estacionamiento y el memorial a la princesa Diana.

En cuanto a cómo responde la forma del edificio a su contexto, es bastante intuitivo y sencillo. La galería es más que nada un mirador.

A lo que pretende responder inmediatamente este edificio, es a lograr tener una vista por encima de  lo arboles a todo Hyde Park. Se podría decir también, que la manera de subir a este mirador también tiene que ver con un tema de flujos ya que el acceso está directamente relacionado con uno de los senderos de los jardines. Esto generando un flujo continuo de lo horizontal a lo vertical.

A diferencia de otros pabellones Serpentine, el programa interior de este se relaciona mas con la galería frente a él. Esto se logra al generar un espacio tipo foro destinado a conferencias y eventos del tipo cultural, en vez de hacer una cafetería o un área publica sin ningún programa especifico.

EL programa para lo que fue el Serpentine Pavillion del 2007 en realidad es algo muy sencillo. Finalmente, todos los proyectos para el Serpentine Gallery tienen como fin programático, un solo espacio de galería.

Es la manera en la que se resuelve esta galería lo que resulta más interesante de estos distintos proyectos. En el caso de éste ejemplo, la solución y propuesta, se basa en una rampa en forma de espiral ascendiente que gira alrededor del foro o galería.

Esta rampa también funciona como una especie de basamento o rodapié para un cono truncado de eje oblicuo. Este cono termina en la forma de un óculo que permite la entrada de una luz cenital al foro o galería.

La circulación ascendiente termina con algo así como un mirador hacia adentro de la galería. Una especie de balcón interior que de alguna manera recuerda a los palcos de la realeza en los teatros de la época barroca.

Supongo que de alguna manera, este pabellón toma las pocas cosas que deberían conformar una galería y elabora en estos temas. La circulación resulta algo más interesante que un simple acceso y se vuelve en un recorrido/mirador aparte de cumplir con la función de entrada y salida al pabellón. La entrada de luz se reinterpreta y representa como una luz más imponente e interesante con una clara referencia al panteón de Agrippa en Roma. El ornamento en el proyecto, que se verá a detalle más adelante, intenta generar nuevas experiencias “retinianas” para que cualquier espacio, por sencillo y sobrio que este sea, tenga un aporte interesante al espectador.

Los jardines de Kensington en el centro de Londres, son uno de los parques más grandes de esta densa ciudad. Cada año, en lo que era una galería para tomar té (el Serpentine Gallery),  se levanta una galería temporal  de arte contemporáneo hecha por los arquitectos más aclamados del mundo.

El contexto para esta galería no podía ser mejor. Un jardín plano, rodeado por arboles con edificios de carácter colonial de arquitectura tradicional inglesa, así como el Albert Memorial, la fuente de la princesa Diana y una serie de ríos y lagos que dan un carácter completamente natural y de tranquilidad.

El pabellón da a la calle por donde pasan los soldados de la reina en su marcha diaria matutina, y también cuenta con un amplio estacionamiento cruzando la calle.

Queda claro que dentro de una ciudad de tanto movimiento y contaminación de todo tipo, los jardines de Kensington resultan una excelente alternativa para promover la cultura.

El Serpentine Gallery Pavillion del 2007 fue diseñado por el aclamado artista Olafur Eliasson y Kjetil Thorsen del despacho de arquitectura Snøhetta. El proyecto es basicamente una estructura en espiral ascendiente que logra darle al pabellón una dimensión vertical muy interesante. Una amplia rampa da dos vueltas completas permitiendo al visitante subir al punto mas alto para aprovechar la vista a los jardines de Kensington así como una vista desde arriba hacia el gran salón del pabellón.

Elementos de ornamento generan movimiento en la fachada así como un leve juego entre lo ligero y lo sólido haciéndoos pensar en que es lo que funciona como estructura en este edificio. El interior nos resalta la idea del espiral al incluir el mobiliario en este juego de una curva ascendiente.
Proyecto: Olafur Eliasson y Kjetil Thorsen
Lugar: Londres, Inglaterra
Fecha: Agosto 2007

David Adjaye nació en Dar-Es-Salaam, Tanzania en 1966. Entreno con David Chipperfield y Eduardo Souto de Moura. Se graduó de la Royal College of Art en Londresy ese mismo año gano la RIBA First Prize Bronze Medal. El año siguiente abrió su oficina Adjaye Architects responsables por la construcción del Museum of Contemporary Art de Denver y por una instalación para presentar la obra Your Black Horizon de Olafur Eliasson.
Algunos proyectos relevantes de Adjaye Associates son:

Adjaye Associates
Rivington Place
London, England 2007

Adjaye Associates
Sclera
London, England 2008
Pabellón temporal para el festival de diseño ‘Size + Matter’ en Londres

Adjaye Associates
Museum of Contemporary Art
Denver, Colorado. U.S.A. 2007

Adjaye Associates para Olafur Eliasson
Your Black Horizon
Isla de San Lazzaro degli Armeni, Venecia 2005
Pabellón para la exposición de la obra Your Black Horizon de Olafur Eliasson

Adjaye Assocites
Ed’s Shed
London, England 2009
Proyecto de casa habitación

Kjetil Thorsen nació en Noruega en Junio de 1958 en la isla de Karmøy. Estudio arquitectura en Graz, Austria y es co-fundador del despacho Snøhetta.

Dicho despacho cuenta con oficinas en Oslo y Nueva York y ha estado produciendo trabajo constantemente desde su fundación en 1989. Sus obras mas representativas incluyen la Biblioteca de Alejandría y la Opera de Oslo. Kjetil Thorsen diseño junto con Olafur Eliasson el Serpentine Pavillion en el año 2007. Eliasson también colaboro en el proyecto de la Opera y se encentran trabajando juntos de nuevo para el proyecto del Museum of Contemporary Arts en Polonia.

Snøhetta
Petter Dass Museum
Alstahaug, Norway

Snøhetta
Oslo Opera House
Oslo, Norway

Snøhetta
Bibliotheca Alexandrina
Corniche El Guiesh
Alexandria, Egypt

Snøhetta
Museum of Contemporary Art
Warsaw, Poland

Kjetil Thorsen y Olafur Eliasson
Serpentine Pavillion
London, England. 2007

Nacido el 13 de Septiembre de 1941 en Osaka, Japón. Tadao Ando es uno de aquellos casos curiosos de un arquitecto que a pesar de nunca haber tenido un entrenamiento formal como arquitecto, es uno de los personajes con mas renombre en el ámbito arquitectónico.

Tadao Ando colaboro en una ocasión con Olafur Eliasson y Tokujin Yoshioka para la construcción de una Galería Privada en el corazón de Tokio.

A continuación dejo algunas imágenes de la obra del arquitecto incluyendo el trabajo que hizo con Eliasson.

Private Gallery. Tadao Ando, Tokujin Yoskioka y Olafur Eliasson
Tokyo, Japan 2006

Tadao Ando Architects
Langen Foundation
Neuss, Germany 2004

Tadao Ando Architects
Sayamaike Historical Museum
Osaka, Japan

Tadao Ando Architects
Sayamaike Historical Museum
Osaka, Japan

Tadao Ando Architects
Church of light
Osaka, Japan 1989

Einar Thorsteinn nació en Reykjavik, Islandia en el año 1942. Antes de estudiar arquitectura en la Escuela Técnica de Arquitectura de Hanover, Alemania, Thorsteinn dedico sus veranos durante 6 años a construir puentes en Islandia.

Realizo estudios de maestría con Frei Otto en la Universidad de Stuttgart mientras trabajaba con este mismo en el Atelier Warmbronn.
A partir de este punto, los estudios de Einar Thorsteinn se enfocaron en la geometría y las matemáticas. Su trabajo e interés en la geometría lo llevaron a trabajar y colaborar con R. Buckminster Fuller y Linus Pauling.
Ahora Einar vive en Berlín y trabaja como consultor de construcción y geometría. Esto se refleja en trabajos hechos con y para Olafur Eliasson.

Olafur Eliasson nació en Copenhague en 1967. Estudio en la Royal Danish Academy of Fine Arts, y hoy día tiene su estudio en Berlín donde produce la mayoria de su trabajo incluyendo:

El Serpentine Gallery Pavilion 2007 en colaboración con David Atjaye
London, United Kingdom, 2007

Colour square sphere 2007
Berlin, Germany, 2007

Your mobile expectations: BMW H2R project 2007
Selected exhibitions:
Pinakothek der Moderne, Munich, 2008
San Francisco Museum of Modern Art, 2007
Studio Olafur Eliasson, Berlin, 2007

Your black horizon 2005
Your Black Horizon Art Pavilion,
by Olafur Eliasson and David Adjaye
Selected exhibitions:
Always a little further, 51st Venice Biennale, Isola di San Lazzaro, Italy, 2005

Your invisible house 2005
Private collection, Santa Fe, USA, 2005

El primer trabajo de Olafur Eliasson fue con el arquitecto y experto en geometría Einar Thorsteinn. Estudios sobre la geometría y el espacio que hicieron juntos durante este tiempo se reflejan constantemente en el trabajo del artista como por ejemplo en sus lámparas geométricas, en sus pabellones, túneles y proyectos de “camera obscura”.

El interés por un arte enfocado al espacio han hecho de la arquitectura algo muy ligado con el trabajo del artista. En el instituto fundado por Eliasson, no es sorpresa que gran parte de los invitados y hasta profesores sean arquitectos. Su trabajo ha servido como fuente de inspiración para proyectos que involucran una diferente percepción del espacio. Su manejo de la luz y de las formas tienen una condición de “efectos especiales” donde los elementos que generan espacio son llevados al limite generando ambigüedades y haciendo al usuario cuestionarse como el ser humano percibe sus alrededores.

Eliasson ha colaborado con arquitectos como Tadao Ando para la construcción de una galería privada; con Kjetil Thorsen (Snohetta) para el Serpentine Gallery Pavillion en el año 2007; y con David Adjaye con quien realizo un proyecto para el Tate Modern de Londres de un sol artificial hecho con 200 lámparas de sodio amarillas.

Olfaur Elliason es un artista danés nacido en Copenhague en 1967. De 1989 a 1995 estudio en The Royal Danish Academy of Fine Arts y el mismo año en el que concluyo sus estudios abrió el Studio Olafur Elliason en Berlín, un laboratorio dedicado a la investigación espacial.

Eliasson represento a Dinamarca en la 50ª Bienal de Venecia en el 2003. Ese mismo año el artista llevo a cabo The Weather Project en el Turbine Hall del museo Tate Modern en Londres.
El artista ha llevado a cabo varios proyectos en el espacio público incluyendo la intervención Green river; El Serpentine Gallery Pavillion 2007 en Londres; y las New York City Waterfalls, comisionadas por el Public Art Fund en el año 2008.

Aquí dejo algunas imagenes de proyectos de Olafur Elliason, así como algunas imágenes producidas en el instituto fundado por este mismo.

Las alternativas para hacer una maestría en arquitectura hoy en día son interminables. Mas aún si consideramos las nuevas tecnologías y la esta “etapa ecológica” que estamos viviendo que sin duda es de gran importancia. Pero que hay de las alternativas enfocadas específicamente al espacio y a su exploración y como su interpretación puede generar cambios en la sociedad en la que vivimos.

El Institut für Raumexperimente (Institute for Spatial Experiments) es una proyecto de investigación educacional fundado por el artista Olafur Elliason en Abril del 2009, afiliado a la universidad de arte de Berlin (Universität der Künste Berlin). Básicamente es una maestría de 4 años dedicada a la experimentación espacial. Un lugar en donde la creatividad puede ser creadora de realidad, algo que según el artista, “las escuelas de arte han fracasado seriamente en reconocer”.
El tema de la experimentación espacial no es algo nuevo, y hay varios casos de escuelas que han tomado el camino de la experimentación como método de enseñanza como el Center for Advanced Studies de MIT, fundado por Gyorgy Kepes; Joseph Albers y sus clases en el Black Mountain College; las clases de O.M. Ungers’ en la Technical University de Berlin en los 60’s; el Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques en Paris, fundado por Pontus Hultén con Daniel Buren, Serge Fauchereau, y Sarkis. Este instituto pretende “retomar estas nociones radicales de aprendizaje en la sociedad contemporánea”.
La escuela pretende cultivar preguntas mas que respuestas. Lograr dar un acomodamiento a la incertidumbre. Los proyectos en el instituto de ninguna manera pretenden representar algo. “Our experimentation with experimentation as a format for producing art and knowledge will never focus solely on either form or content”.
El Institut für Raumexperimente es una alternativa diferente para un mundo con un futuro claramente incierto al menos en el ámbito artístico y por ende arquitectónico. Es una alternativa para aquellos que creen que la búsqueda individual y los estudios no pueden separarse. Una escuela donde los experimentos y la exploración espacial va mas allá de una mera instalación. Se pretende generar argumentos con impacto político, social y hasta económico. Un aprendizaje a partir del proceso de la experimentación. Es una escuela enfocada a generar un alto nivel de reflección individual.

Fuente: www.raumexperimente.net